Prière de toucher 5, Milano

Emanuele Becheri, Francesco Carone, Gianluca Codeghini, Ermanno Cristini, Elena El Asmar, E il Topo, Amedeo Martegani, Museo Riz à Porta, Giancarlo Norese, Giovanni Oberti, Luca Pancrazzi, Luca Scarabelli, Sophie Usunier, Eugenia Vanni. Con contributi di Giulia Brivio, Alessandro Castiglioni e Dario Giovanni Alì.

Opening giovedì 5 maggio 2016, ore 18.30
Dal 6 al 26 maggio 2016 solo su appuntamento
(spaziocosmo-at-yahoo-dot-com)
Spazio C.O.S.M.O., via Paolo Paruta 59 (MM Cimiano), Milano

Prière de toucher è un ciclo di mostre, costruito in un dialogo continuo con Giulia Brivio, dove si mettono in atto pratiche di nascondimento. Ogni mostra coinvolge artisti diversi e sviluppa una particolare modalità del nascondere.
La prima è stata fatta a Imola a Novella Guerra nell’ottobre 2013 insieme a Patrizia Giambi e a Microcollection; la seconda a Something Like This a Firenze nel maggio 2014 insieme a Oppy De Bernardo e Aldo Mozzini, la terza a Milano a MARS nell’ottobre 2014 coinvolgendo una quarantina di artisti che in tempi diversi hanno esposto in questo spazio; la quarta nelle Langhe all’interno dell’Alcova d’Acciaio di Umberto Cavenago e insieme ad Alessandro Castiglioni e Barbara De Ponti.

Il n. 12 della rivista Boîte dedicato all’opera nascosta ha presentato l’operazione.
Prière de toucher è un “dispositivo” in funzione grazie al lavoro di tutti gli artisti che fino ad ora vi hanno partecipato, consentendogli di “prendere corpo”. Ha a che fare con il corpo e, saccheggiando il titolo del noto lavoro di Marcel Duchamp, rimanda inevitabilmente al mostrare. In breve Prière de toucher si interroga sui confini del corpo e sulla natura dell’esibizione e, forse, è una modalità del mostrare nonostante si preoccupi solo di nascondere.

Questa quinta tappa di Prière de toucher è concepita per lo spazio C.O.S.M.O., uno spazio espositivo nella soffitta dello studio di Luca Pancrazzi ed Elena El Asmar e in quanto soffitta lo spazio ideale per nascondersi.
La modalità che si vuole qui sviluppare è quella della mimetizzazione: una forma di nascondimento che si fonda sull’inganno della vista. Il mimetismo per gli esseri viventi è un vantaggio evolutivo, per l’arte può esserlo per acuire il senso visivo.

Ermanno Cristini

I video del progetto Prière de toucher sono a cura di Videoforart

Doppio Stallo, Milano

Doppio Stallo: Ermanno Cristini e Rossella Moratto, con Matteo Cremonesi, Ronny Faber Dahl, Oppy De Bernardo e Aldo Mozzini, Matteo Guarnaccia, Andrea Nacciarriti, Giancarlo Norese, Alessandro Rolandi.

Nowhere Gallery, Milano
31 marzo – 7 aprile 2016

Walter Benjamin gioca a scacchi
con Bertolt Brecht,
Skovsbostrand, 1934

La partita è patta quando il giocatore che ha il tratto non ha alcuna mossa legale e il suo Re non è sotto scacco. Si dice che la partita finisce per ‘stallo’. Ciò termina immediatamente la partita, a condizione che la mossa che ha prodotto la posizione di stallo rispetti l’Articolo 3 e gli Articoli da 4.2 a 4.7.
— Regolamento Internazionale degli Scacchi FIDE

Nel gioco degli scacchi lo stallo è una condizione che ne capovolge il senso; comportando la rinuncia ad avere un vincitore e un vinto, lo stallo vanifica il fine “produttivo” della partita.
Il doppio stallo è una posizione puramente teorica, mai verificatasi in partita, che corrisponde ad una sorta di immobilità ideale, quasi un paradosso, entro la quale il gioco si incaglia sottraendosi al suo dovere “istituzionale”.
Ho immaginato di costruire questa mostra, in dialogo con Rossella Moratto, concependola come una sorta di partita a scacchi entro il tempo sospeso del doppio stallo. Non ci sono né vincitori né vinti e proprio per questo essa esplora i territori della marginalità giocando fuori dal gioco. Il tempo di questa partita è il tempo dilatato che sfugge alla dimensione utilitaristica per aprirsi al potenziale del non fare per essere.

G.N., Negozio, 2014-2016

Scriveva Walter Benjamin nei Passages che “Non bisogna far passare il tempo, ma anzi invitarlo a fermarsi presso di noi”. È con questo spirito che Duchamp indica nel respirare, in opposizione al lavorare, l’essenza dell’attività creativa. Il fare artistico sta entro un ritardo e dunque si qualifica per una sottrazione: ciò che manca è il principio di economia e la dimensione utilitaria, al punto che esso si configura come uno sperpero. Così entro un’operosità reiterata senza fine si consuma una inoperosità, o più precisamente un’applicazione inoperosa, che è la sua vera cifra.
Incrociano l’asse di questa “partita” oziosa i contributi di otto “testimoni oculari” attivi, il cui lavoro spesso trae alimento dall’inerzia del piacere per l’inutile e/o dall’astensione dal fare.

Ermanno Cristini

New multiple: N, Artist’s Alphabet, Materia Multipli, Roma, IT, 2016

The project arises from a visit at Luca Pancrazzi’s studio in Milan in May 2015, but starts taking shape after summer break in mid september.
The ALPHABET consists of 26 letters (classical latin alphabet), each one interpreted by a different artist. The letters are printed in offset on white 130g Old Mill paper, A3 format, in 100 pieces signed and numbered on the back.

It is an open project meaning that in the future a letter may be reinterpreted by a different artist. There will be an exhibition including a catalogue featuring the first complete alphabet.

Materia, multipli d’artista, www.materiamultipli.com

Max Renkel, Karl Daubmann, Judith Kakon, Christof Nüssli, Marco Raparelli, Michaela Langenstein, Giorgio Di Noto, Simone Berti, Luca Pancrazzi, Jonathan Monk, David Schutter, Isabell Heimerdinger, Martin Soto Climent, Giancarlo Norese, Matteo Fato, Benjamin Hirte, Hilario Isola, Rä Di Martino, Stefania Galegati, Mikkel Carl, Cesare Pietroiusti, Kilian Rüthemann, Jinn Bronwen Lee, Elena El Asmar, Florian Graf, Alfredo Pirri.

onMAPS, Tirana

onMAPS #0
Tirana, 2015

MAPS - Museum of Art in Public Space is proud to announce the launch of a new collaborative project developed as a digital magazine, called onMAPS. 

onMAPS is collaborative project developed as a digital magazine focused on public space realized through contributions of artists, architects, urban planners, writers, thinkers.

The magazine is a collection of artworks, photographs, documentation of actions, projects, frames, drawings, illustrations and texts written in the language chosen by the author.

A starting point to open a discussion on what it means in general, to work / act / react / in a common space, on how to redefine what we consider public, what public space offers the community and how community access it.

onMAPS #0 include contributions by DZT, Pleurad Xhafa, Network Nomadic Architecture, Bora Baboçi, Giancarlo Norese, Armando Lulaj, Fabiola Naldi, Marta Gracia, and Eri Çobo.

MAPS - Museum of Art in Public Space is a artist's run platform founded in 2014 with the aim of promoting contemporary art research that has as its theater, public space in all its forms and derivations. A museum exploded in the city of Tirana, which allows invited artists to compete each time with different zones, each representing historical and contemporary connotations of city's iconography.

read onMAPS #0 here

Enfance, Bratislava

New publication: Enfance, a double artist's book about childhood, by Giulio Lacchini and Giancarlo Norese, Sputnik Editions, Bratislava 2015.

16+16 pages plus paper container, offset print, edition of 100.
ISBN: 978-80-970894-2-9

Available also through choisi and A+Mbookstore.

Enfance was born to remember us the faculty of “bringing visions into focus with our eyes shut”, as we did in a remote time, still fruitful and alive, when thinking in terms of images was more spontaneous.

It was a “possible pedagogy of the imagination that would accustom us to control our own inner vision without suffocating it or letting it fall (…) into confused, ephemeral daydreams, but would enable the images to crystallize into a well-defined, memorable, and self-sufficient form, the icastic form.”

(Excerpts from Italo Calvino, Six Memos for the Next Millennium: Visibility, 1985–1986).

Materia, Novi Ligure

G.N., kunsthalle novi

Massimo Palazzi ha invitato cinque protagonisti della scena artistica italiana a confrontarsi con gli spazi del centro storico cittadino di Novi Ligure per costruire un percorso espositivo fondato sull’interazione delle opere e degli edifici e la relazione tra testimonianza storica e attualità. 

Il tessuto urbano, come la crosta terrestre in una prospettiva più ampia, concretizza la sedimentazione del tempo e della memoria e ne restituisce la testimonianza nella materia di cui è fatto il presente. È proprio attorno all’unità di permanenza e continua trasformazione propria della natura minerale della materia, nucleo fondante della mostra, che gravitano le opere di Andrea Botto, Sara Enrico, Giancarlo Norese, Elisa Strinna e Luca Vitone.

A dispetto di ogni retorica della smaterializzazione, il titolo della mostra intende appunto evidenziare l’irrinunciabile consistenza fisica del mondo: la materia è, infatti, madre e matrice, origine di processi metamorfici e creativi, oggetto, mai del tutto passivo, dell’azione degli elementi, dell’uomo e, ovviamente, dell’artista. A tali trasformazioni, che coinvolgono il regno naturale organico e inorganico determinando il cambiamento del paesaggio, Materia intende aggiungersi senza negare l’inevitabile dispersione di energia in esse implicata con l'ambizione di diventare un'ulteriore stratificazione urbanistica, paradossalmente immateriale.

Nel corso dell’inaugurazione, il curatore presenterà la mostra e illustrerà le opere dei singoli artisti. Il percorso terminerà con l’esecuzione dal vivo della composizione per quartetto di clarinetti che costituisce il lavoro di Elisa Strinna.

In concomitanza con l'inaugurazione della mostra apre a Novi Ligure, per iniziativa di Giancarlo Norese, un nuovo spazio per l'arte contemporanea: Kn (kunsthalle novi). Terminata la mostra, sarà disponibile un catalogo, pubblicato in 200 copie e concepito come un’edizione di pregio per documentare il progetto e fornire un approfondimento critico sul lavoro degli artisti nel contesto della manifestazione.

Materia, a cura di Massimo Palazzi. Novi Ligure, 10-17 ottobre 2015.
Inaugurazione sabato 10 ottobre, ore 17, presso la sede municipale di via Giacometti 22.
materia2015.tumblr.com

Le opere e i luoghi

Andrea Botto, KA-BOOM #40, Didcot, 2014, stampa fotografica.

Salone del Municipio, Via Giacometti 22; orario: dalle 10-12 e dalle 17 alle 19,30.

Alcuni urbanisti hanno definito il fotografo un sismografo, attivo in prima linea per cogliere ogni minima vibrazione o cambiamento che accade davanti ai propri occhi. Andrea Botto preferisce definirsi una specie geoarcheologo che lavora per carotaggi, campionature di paesaggio e stratigrafie temporali. Il suo work in progress KA-BOOM sfida l’impossibilità di fermare in un singolo scatto grande formato gli effetti dell’uso di cariche esplosive in ambiti civili, dalla demolizione, alla bonifica ambientale, fino alla pirotecnica. In occasione di Materia, l’artista presenterà una stampa di grandi dimensioni inedita che documenta la demolizione delle torri della centrale geotermoelettrica di Didcot in Gran Bretagna.

Sara Enrico, Undisclosed Recipients, 2015, installazione.

Palazzo della Dogana (Palazzo Brignole), atrio e scala, Via Roma 68; orario: dalle 10-12 e dalle 17 alle 19.30.

Specializzata in restauro dei dipinti antichi all’Istituto Spinelli di Firenze, Sara Enrico conduce la sua ricerca sulla pittura saggiandone le possibilità plastiche attraverso una rinnovata consapevolezza dei materiali e degli strumenti codificati dalla storia dell’arte. I suoi interventi si sviluppano nello spazio generando un ricco spettro di varianti, alterazioni, traduzioni che interagiscono con l’ambiente

circostante e lo integrano nel lavoro anche attraverso l’uso di tecnologie di scansione e stampa digitali. L’opera pensata da Sara Enrico appositamente per Palazzo Dogana (Brignole) è incentrata sul potere evocativo degli spazi architettonici dell’atrio e della scala dell’edificio. Attraverso la collocazione di alcuni oggetti di ingombro e impatto visivo minimo, l’artista intende attivare quegli spazi

di transizione sottolineando la stratificazione storica e la tessitura materica del luogo e suggerendo al visitatore possibili narrazioni.

kn billboard posting, oct 2015

kn wall-plate

Giancarlo Norese, Kn (kunsthalle novi), 2015-work in progress.

Palazzo Cambiaso Negrotto, angolo piazza Dellepiane/via Paolo da Novi; orario: sempre aperto.

La nicchia nel muro di palazzo storico novese diventa un nuovo spazio per l’arte contemporanea, la "kunsthalle novi", che inaugura in occasione di Materia. Con questa proposta, Giancarlo Norese intende approfondire una ricerca basata sulla costruzione di una rete di micromusei dislocati nel mondo, cominciata due anni fa evidenziando il ruolo fondante delle connessioni e degli scambi, ma anche della casualità e delle coincidenze nella produzione di cultura e conoscenza. Un’adeguata comunicazione conferma la volontà dell’artista di gettare un seme per la crescita dell’arte contemporanea nel tessuto locale: con "Kn" Giancarlo Norese indica la possibilità di ulteriori interventi e attività, assumendosi il rischio della naturale dispersione del progetto. 

http://kunsthallenovi.tumblr.com

Elisa Strinna, Quattro Stagioni, 2015, composizione musicale per quartetto di clarinetti eseguita e arrangiata da Mademi Quartet.

Palazzo Cambiaso Negrotto, piazza Dellepiane 1; performance: sabato 10 ottobre, ore 18.

L’alternanza di momenti di crisi e periodi di stabilità che caratterizza l’andamento di sistemi complessi è il punto di partenza dell’indagine lirica dei rapporti tra uomo e natura condotta da Elisa Strinna. Nei suoi lavori, la cronologia dei mutamenti registrati nelle sezioni dei tronchi degli alberi, nelle rocce sedimentarie come anche nei grafici degli andamenti finanziari viene letta come una partitura musicale e trasformata in suono. In occasione di Materia, l’artista ha realizzato una composizione musicale dettata dall’andamento delle variabili meteorologiche (temperatura, umidità, pressione, vento) rilevate nel corso dell’ultimo anno nella provincia di Alessandria. Il giorno dell’inaugurazione della mostra il brano verrà eseguito dal quartetto di clarinettiste Mademi che hanno collaborato con l’artista all’arrangiamento della composizione.

Luca Vitone, Per l'eternità, 2013, video HD, 7:57 min, courtesy l’artista e pinksummer, Genova.

Auditorium Biblioteca Civica, Via Marconi 66; orario: 10-12 e 17-19.30.

La personale ricerca condotta da Luca Vitone sul paesaggio condensa in sintesi concrete i concetti di luogo, memoria e identità culturale utilizzando media diversi, dalla polvere al profumo. Il video scelto per Materia, girato a Casale Monferrato, sede di un tristemente noto stabilimento Eternit, fa parte di una serie di lavori dedicata alle disastrose conseguenze della produzione e della diffusione dell’amianto in Italia, cui appartiene anche quello presentato dall’artista al Padiglione Italia della 55ª Biennale di Venezia nel 2013. Il significato di quest’opera acquista particolare valore oggi, dopo che il 19 novembre 2014 la Corte di Cassazione ha annullato, in quanto caduta in prescrizione, la condanna che nel 2012 aveva decretato colpevoli di "disastro ambientale doloso permanente" gli imprenditori Jean-Louis Marie Ghislain de Cartier de Marchienne e Stephan Ernest Schmidheiny, obbligandoli a risarcire circa 3000 parti civili e a subire 16 anni di reclusione, successivamente aumentati a 18.

The Celebration of the Living 2, Venezia/Lecce

The Patience Sanctuary in San Cesario di Lecce

MICROCLIMA and LU CAFAUSU present
The “Celebration of the living (who reflect upon death)”, 2011 (second edition)
A sculpture workshop, a trip, a conference, a celebration.

Between October 30th and November 3rd the second edition of the “Celebration of the living (who reflect upon death)”. This edition will be articulated in the form of a complex workshop which will take place in the Serra dei Giardini in Venice, in San Cesario di Lecce, and on the bus between the two places. The celebration is a project by Emilio Fantin, Luigi Negro, Giancarlo Norese, Cesare Pietroiusti and Luigi Presicce.

The steps of the workshop are the following:

VENICE
Oct 30 and 31, sculpture workshop at the Serra dei Giardini: all the participants, individually or in small groups, will reproduce Polipo (Octopus) a sculpture made by Ezechiele Leandro taken from the sculpture garden “Santuario della pazienza” (Patience Sanctuary). Once the sculptures are made, the participants will discuss and decide their further destiny.

During the workshop several events will take place, that are open to the public, among which:

Oct 30, 2011, 5 pm Monologues interpreted by Jacopo De Santis. Texts by Brocchi, Gaber, Laforgue, Maupassant, Pirandello, Zola.

Oct 31, 2011, 5 pm Gabriele Mina, anthropologist, editor of the book Costruttori di Babele. Sulle tracce di architetture fantastiche e universi irregolari in Italia, Elèuthera 2011, will present his research on artistic sites in Italy created by outsider artists. Microclima - Serra dei Giardini, Viale Giuseppe Garibaldi, 1254, 30122 Venezia - Castello
info(at)microclima-venezia.com
www.microclima-venezia.com

Nov 1 (only for the participants to the workshop) – bus trip from Venice to San Cesario di Lecce (approximately 12 hours); on the bus a conference with interventions by the participants on the themes related to the celebration will take place.

SAN CESARIO DI LECCE
Nov 2 – public celebration of the “Festa dei Vivi (che riflettono sulla morte)” and possible installation of the sculptures. Morning: Visit to Lu Cafausu and to the Santuario della Pazienza.
From 8.30 to 11.30 pm, in the Laboratorio di Arte e Architettura “Archiviazioni”, in Lecce, via Enzo Ferrari, contrada Pisello, Night party and cafausic happening with music from an almost forgotten Italian repertoire, curated by Oh Petroleum and Luca F.

Last year, on November 2, 2010, AND AND AND* has invited Emilio Fantin, Luigi Negro, Giancarlo Norese and Cesare Pietroiusti and Luigi Presicce and they have proposed to turn the November 2 traditional celebration of the Dead ones, into a new holiday: “La Festa dei Vivi (che riflettono sulla morte)”, “The Celebration of the Living (who reflect upon death)”.

For this celebration, the artists invited everyone to be part of a pilgrimage, probably the shortest and slowest in the world, having as a departure point and as its destination, Lu Cafausu in San Cesario di Lecce. The celebration and the pilgrimage wanted to represent a reflection upon death as transformation, threshold, mystery, but also as a necessary perspective of meaning.
The pilgrimage was also the occasion for a visit to the “Sanctuary of Patience” and an homage to the figure of Ezechiele Leandro.

Lu Cafausu is a mysterious small building, an architectural remnant that the artists have elected as a source of metaphors and narratives. It is “an imaginary place that really exists” around which the presence of death is floating. Any day, the small building can in fact be demolished to accommodate more parking space for cars, or can also fall apart due to its precariousness. It could also be turned and frozen into a monument.
Because of this feeling of the presence of death, Lu Cafausu is an ideal place for a new celebration, “La Festa dei Vivi”, who, in order to give sense to life, reflect upon death; their own, first and foremost. www.lucafausu.tk

The Santuario della Pazienza by Ezechiele Leandro (1905-1981) is an extraordinary example of mystical garden, a forest of statues, a temple or a cemetery, an almost unrepresentable site of the artistic power and expression of a self-taught dilettante artist, a singularity completely out of the grids and schemes that define and separate high and low culture. 


* ANDANDAND is an artist run initiative, which is using the time between now and dOCUMENTA (13) in 2012 to consider with individuals and groups across the world the role art and culture can play today and the constituent publics or communities which could be addressed.

Archiviazioni

Archiviazioni. 
Exercises of investigation and discussion on contemporary South

March 26th, 2011 - laboratory for Art and Architecture
via Enzo Ferrari, contrada Pisello, Lecce, IT


Actions:
Costruire Processi: progettualità, spazio e tempo / Building Processes: planning, space and time
public discussion, 11am–1pm and 3pm-5pm
with Julia Draganovic / Francesco Arena / Fabio Pollice and Annalisa Zacheo / Karen Hough / Devrim Kadirbeyoglu / Federica La Paglia / Attila Bruni / Shawn Van Sluys / Stefano Taccone / Chiara Agnello / Giulia Pedace / Mauro Marino / Francesca Boenzi

Gran Turismo / Great Tourism
curatorial revisitation of a private archive by Luigi Presicce and Luigi Negro / 18.00

Le Cose Preziose / The Precious Things
self-financing group action / 6.30pm
works of: Luigi Presicce, Francesco Arena, Luigi Negro, Luca Francesconi, Enzo Umbaca, Cristian Chironi, Stefano Romano, Paola Anziché, Daniele Pezzi, Andrea Kvas, Antonio Rovaldi, Angelo Bianco, Roberto Martino, Marco Belfiore, Adriano Nasuti Wood, Elenia De Pedro, Giorgio Guidi, Dragana Sapanjos, Stefano Graziani, Giallo Concialdi, Andrea Sala, Riccardo Beretta, Alessandro Ceresoli, Jacopo Casadei, Cesare Pietroiusti, Sergio Breviario, Alessandro Vizzini, Riccardo Baruzzi, Giancarlo Norese.

An autonomous society is different than a heteronomous one (hetero = others) because while all societies make their own imaginaries (institutions, laws, traditions, beliefs and behaviors), autonomous societies are those in which their members are aware of this fact, and explicitly self-institute (αυτο-νομούνται). In contrast, the members of heteronomous societies attribute their imaginaries to some extra-social authority (i.e. God, ancestors, historical necessity). Cornelious Castoriadis, Figures of the Thinkable, Stanford University Press, July 18, 2007

On the occasion of its public presentation, archiviazioni has invited Stefanos Tsivopoulos to elaborate an archive image which represents the main concept and the aims of the project. I Want My Utopia Back is a reflection on the concept of Autonomy in relation to that of Archiving as an action. This transformative process that goes from information to knowledge, from institutional construction to social action and the formation of an autonomous consciousness, was also the basis of democracy in ancient Greece. For Tsivopoulos, archives do not necessarily server as ‘representatives’ of the historical truth, but rather as another way to tell a story. This story aims to reflect the creative and imaginary possibilities of our times. Stefanos Tsivopoulos (Prague, 1973) is a Greek artist/filmmaker who lives and works in Athens and Amsterdam. His research reflects on history and historical memory as a narrative construction – a construction mediated by images that have been edited and re-edited, and deprived from images that were never taken or that are lost. In his films he is blurring fact and fiction, past and future, as he is less interested in extracting the truth from these narrative constructions, but rather in interrogating the possibilities and qualities that lie within them. It is the ambiguous nature of image, and its shift from an aesthetic object, to commodity to archived evidence of historical truth that is on question in his work.

archiviazioni – exercises of investigation and discussion on the contemporary South is an open project of documentation, discussion and action conceived and directed by Giusy Checola and curated together with Luigi Presicce, developed in collaboation with Salvatore Baldi for the production, Anna Cirignola and Elvira De Masi for the relations of the territory. It’s included in the program Lab 12:00 promoted by the SoutHeritage Foundation for contemporary art of Matera (Basilicata, Italy). It presents its activities and its spaces on the 26th March 2011 at its venue, the Laboratory of Art and Architecture of Lecce (Apulia, Italy), an ex tobacco factory based in the heart of Salento.


Archivica

Archivica is an archive in progress that selects and presents national and international art and interdisciplinary publications and reviews, the digital and audiovisual documentation of works and projects by artists, curators and theoricians from local, national and international fields, and in the so called ‘Souths’ of the world. With them Archivica establishes different kind of interactions and collaborations, through the collection of materials, the organizations and co-production of projects, the acquisition of meaningfull Funds for the relation between art and territory.

Archivica has acquired the personal archives of art critic Anna Cirignola, the Fondo Verri Liberi Cantieri of Lecce and the archives of Oreste by Cesare Pietroiusti, Luigi Negro, Emilio Fantin and Giancarlo Norese, including photos, letters, drawings, publications and printed matters produced during the activities of the Oreste Project, from 1997 to 2002.
Archivica has started a long term collaboration with careof/DOCVA Documentation Center for the Visual Arts in Milan, through the exchange of materials, for the promotion of the Southern artistic scene and the collection of untraceable videodocumentation of talks, seminars and projects realized in Italy and abroad by careof in the last twenty years, and through the development of projects of communication and presentation of the materials archived.
It has started various collaborations with projects, archives and art organizations like Expòsito, Observatory for Young Artists, Naples; Index, list of contemporary art in Basilicata promoted by the SoutHeritage Foundation, Matera; Connecting Cultures, Milan, specialized on art projects in the public spaces in relation with the landscape; ESCORIA Nuevos Medios of Quito, the most important archives in Ecuador, specialized in video-art and new media.

Archiviazioni is addressed to artists, curators, cultural operators and students who live and work in Southern Italy, and to everyone who wants to participate to the proposed activities. From here comes the collaboration with SUM Project of Lecce, a network for promotion of independent local music and local reference for the Creative Commons licenses, under which are registered the contents of the website archiviazioni.org, in order to stimulate the access to information and the free circulation of ideas.


info: www.archiviazioni.org / giusy AT archiviazioni DOT org

Matter of Action

Matter of Action is the third appointment of the INTERMEDIA cycle, an exhibition of alternative artist’s media - curated by Giorgio Maffei, Sara Serighelli, Fabio Carboni and Samuele Menin.
By nature, performance, happening, body art, action poetry are artistic actions aimed at lasting only for the short moment of their ritual fulfillment. This exhibition tries to stop the time focusing on the sequence of actions through those media able to give substance and duration to the performing event – photographs, records, videos and books. Through a set up that can appear disturbing, the exhibition wants to suggest a sharing experience of the contents based on the visitors’ perception.

Photographs, books, videos and the artist’s records hold the memories, preserving tracks and, at the same time, transcribing - with different tools - images, words and meanings of a way of making Art that has deeply affected the historical development of the second half of the 20th century.
All along the exhibition, art works from the 60s and 70s are gathered through necessary historical photographs to hint at the first performing actions of the Avant-garde and of the artists who, at the end of the ‘50s, turned their work toward the overtaking of the objectual form of the artifact. Duchamp, Man Ray, Dalí, then Manzoni with Klein and Fontana undertook the path which find its thoroughness both in the Conceptual and in the Arte Povera anvironment, as well as in Fluxus of the following decade. Allan Kaprow’s theorizations, Abramovic and Gina Pane’s actions, Nitsch and Muehl’s expressive violence, Acconci and Oppenheim’s body discipline, Ontani e Lüthi’s trasformism, Agnetti, De Dominicis and Nauman’s rigorous intellectual action, Kounellis and Calzolari’s theatrical behaviour, the use of their own face as expressive matter in Boetti, Penone and Zorio, and moreover, up to the overtaking of the disciplinary limits with the new music of Cage, Chiari and La Monte Young, the dance with Monk and Trisha Brown or poetry with Lora Totino, Spatola and Isou.

In a part of the exhibition Matter of Action, Italian artists have been invited to present in Milan a performance already made in their past, through two different ways: live performances with Italo Zuffi, Simone Berti, Giovanni Morbin, Christian Frosi & Diego Perrone, Dafne Boggeri, Nicola Ruben Montini, Michele Bazzana, Igor Muroni, as well as through some videos, with documents by Cesare Pietroiusti, Elisabetta Benassi, Lorenzo Scotto di Luzio, Cesare Viel, Patrick Tuttofuoco, Davide Savorani, Sissi (…). This part hasn’t the historical ambition to cover everything that has been happening in Italy during the last years, but it freely dots a temporal lapse through the actions of some artists who have occasionally or constantly used the performance in their research. These appointments draw possible trajectories and paths between historical experiences from the 60s and 70s up to contemporary episodes.

Over forty years after the publication of the text “Intermedia”(February 1966) by Dick Higgins in “The Something Else Newsletter”, the curators of this exhibition have borrowed this title which best expresses the need of contemporary culture to 'shuffle the cards,' to break down the strict barriers between disciplines and to consider art and its ways of expression as one singular creative process. The cycle of exhibitions develop through themes and segments: the first appointment of the cycle, ‘10 - a generation of artist's books, 1999-2009’ was held in September 2009 and the second ‘SUPERARCHITETTURA RADICALE books, posters, magazines’ in April 2010.

Performances:
venerdì/ Friday 11 feb. Nicola Ruben Montini
lunedì/Monday 14 feb. Igor Muroni
venerdì/ Friday 18 feb. Dafne Boggeri
lunedì/Monday 21 feb. Giovanni Morbin
venerdì/ Friday 25 feb. Michele Bazzana
lunedì/Monday 28 feb. Simone Berti
venerdì/ Frida y 4 mar. Diego Perrone & Christian Frosi
lunedì/Monday 7 mar. Italo Zuffi
All performances will be held at O’ via Pastrengo 12, Milano, 8.30 pm

Videos by: Moira Ricci, Cesare Pietroiusti, Giancarlo Norese, Luigi Negro, Emilio Fantin, Luigi Presicce, Cesare Viel, Nico Vascellari, Orthographe, Invernomuto, Giovanna Ricotta, Patrizio di Massimo, Sissi, Lorenzo Scotto di Luzio, Alessandro Ceresoli, Elisabetta Benassi, Alessandro Sciarroni, Patrick Tuttofuoco, Francesca Grilli, Michael Fliri, Davide Bertocchi, Paola Anziché, Marco Vaglieri, ZimmerFrei, Enzo Umbaca, Marcella Vanzo, Davide Savorani, Filippo Berta.

info:
O’, o AT o-artoteca DOT org
Giorgio Maffei, info AT giorgiomaffei DOT it

O'
via pastrengo 12, 20159 milano
www.on-o.org

Four Blindfolded Dialogues and Transcripts

Steve Piccolo, Milano

Mon, 6 Aug 2007 14:16:37

I’m writing this in English because I’m blindfolded and I can’t find the accents on the keyboard in Italain. This is the final segment of an hour spent in various sensory depraivation modes in an attempt to generate some kind of long distance psychich contact among our group. At first I was expecting a signal on Skype as plannned, but then I realized that the short text msg on the phone was the only hint to begin. I thought of Emilio and realized that was how he would do it. I put on my glasses with paper taped over the lenses. I thought a partial blindfold might resemble, more closely, the post-op condition of Luigi. A bit of peripheral vision, light that enters from the sides, not impossible to get oriented in a room, but impossible to actually do anything constructive. Or not?

I was holding my guitar when the experiment started so I began playing. Thirty minutes of so passed in a flash, the playing was long and slow and meandering, much more concentrated than usual, very patient about thematic development, returning again and again to growing patterns. I was playing for Luigi and for everyone who mighht be listening.

Then I realized that this was just too damn easy. For a musician, being deprived of sight is a boon, at least for playing. Just look at this text I have typed without ever removing the blindfold. I can’t see it, but I’m sure it has very very few mistakes. Myfingers can tell what is happening. There is probalbly a mistake near ‘fingers’, and probably another one near the start of this sentence.

I thought maybe I should try being deaf instead of blind. So I removed the blindfold. It was true, a half hour had passed. I found my super earplugs in the bathroom and stuffed them into my ears. Now it was possible to take a piss, to smoke a cigarette, all things I had been putting off because being sightless made them difficult. I thought about Luigi and realized that this solution was also too easy. So I put the papered bglasses back on. At this point I was semi-deaf and semi-blind. Void. Noresian silence. I wondered how Luigi manages to use the microtrack to make recordings if he can’t see. I know that machine very well, use it every day, I can even find it in the mess on my work table with my papered glasses on. So I tried recording something. It was nearly impossible.

Not enough audio feedback signals for the functions.

Even with earbuds instead of earplugs it wasn’tpossiblel to really get any work dpme.

Suddenly the time got endless. We were all just sitting there, I thought, Cesare, Luigi, Giancarlo, Emilio, me. Or lying down. I had set my mobile phone alarm so I’d know when the hour was up. Maybe it wasn’t working. Maybe I set it wrong.It seemedlike much more than an hour had passed. I could imagine the others, blindfoldied, mpo longer trying anything in particular, just resting or waiting for the end of the experiment. I knew they were doing that, but they might also have fallen asleep. After lucnch. I felt lonely. The visible objects around us keep us company, looking at them fills up time, adds a rhythm of references to things and when that rhythm is gone everything slows down.

I wondered if the others were really doing the experimnt or if I was the only one, sitting in my hot studio in Milan weeearing glasses with paper taped over the lense. So I saaat down at the computer and started writing these thoughts, before they vanished, like dreams in the morning. In the middle of the process the mobile phone alarm went off. The hour was up. In that split second something hit me. The body, the body detached from its surroundings by sensory closure. It wasn’t necessary but I put on a real blindfold and put the earplugs back in and concentrated on the image that was growing. It was a sexual fantasy, and in this blocked condition it was particularly vivid. The goddess smiled and told me that bodies can heal themselves especially when they know desire and cultivate it in union with other bodies. She beckoned to me, I reached out and caressed the column of hot air blowing out of the fan on my desk…

So in a way I blew it. The hour is up and finally, now, I have some positive energy to send. Hope it’s not too late.

Cesare Pietroiusti, New York

9 agosto 2007, 5.05

Dunque trascrivo gli appunti che ho preso subito dopo l'ora passato bendato. Contesto: ero a casa, alle 9 di mattina, Carolyn e Pinki dormivano. Ho usato una benda da aereo che non lasciava filtrare quasi niente di luce, comunque sono stato per lo più con gli occhi chiusi, salvo in un paio di occasioni in cui li ho aperti automaticamente, come risposta a un rumore improvviso.

Subito ho notato la lentezza dei movimenti e dei gesti e ho pensato che, a parità di tempo, si possono fare meno cose in tale condizione. Poi ho pensato al fatto che bisogna avere una maggiore attenzione alle proprie memorie a breve termine: bisogna ricordare dove si è appena lasciato il bicchiere, per esempio, per non rischiare di romperlo... è un po' come se tutte le "situazioni" pre-esistenti (oggetti, mobili, persone) debbano essere presenti alla memoria.

Ho notato l'importanza dei rumori che si producono: i passi sul pavimento, l'urto contro un oggetto, tutto contribuisce a dare informazioni sulla propria posizione e sui rischi che si stanno correndo, ma c'è anche un aspetto di puro e semplice piacere nel sentire i rumori che si producono abitualmente con una nuova intensità e precisione. A un certo punto ho acceso la radio e ho dovuto mettere il volume bassissimo, molto più basso del normale, perché la musica mi disturbava e mi confondeva (in genere mi succede il contrario).

Ho pensato che un appropriato sistema di segnali sonori associati a ogni oggetto, anche piccolo, di una casa, consentirebbe di muovercisi con la stessa velocità e precisione come se ci si vedesse. Le mani (in piccola parte anche i piedi) delimitano continuamente un "campo", fatto in genere di linee dritte o di angoli netti, in cui, momento per momento, ci si può muovere e si può agire: i punti di riferimento spaziali (la linea dritta di un armadio, l'angolo di un rivestimento sul muro) sono fondamentali e usati continuamente.

Ho avuto la sensazione di essere stato sempre presente a me stesso, in una specie di costante auto-osservazione, e che ci fosse un costante flusso di pensieri legati alla particolare situazione che veniva prodotto (e che, probabilmente, pensavo, non sarei stato in grado di recuperare...). Solo in un determinato momento (probabilmente verso il 40º minuto) ho abbandonato questa situazione di auto-osservazione e mi sono sentito "normale", non in condizione di deprivazione né in una situazione di esperimento.

Mi sembrava di avere molte idee, anche interessanti... ma non saprei dire quali fossero. Forse quella di fare l'ultima parte dell'intervento per S.C. "a distanza" dialogando con il pubblico in una qualche situazione di deprivazione tipo questa, per email.

La cosa che mi ha dato più fastidio è stata la confusione dentro il frigorifero (troppe cose, mescolate disordinatamente). Ho pensato che per chi ha problemi gravi di vista, è necessario un grande ordine e poche cose.

A un certo punto ho sentito qualcuno che si muoveva per casa e mi sono sentito un po' in imbarazzo (anche se tutti erano stati avvisati che avrei fatto questo esperimento). Però quello è stato l'unico momento in cui stavo per togliermi la benda. peraltro credo che il rumore che avevo sentito

provenisse da fuori.

Durante l'ora da bendato ho fatto colazione (latte di riso, pane abbrustolito con burro). Nonostante quello che mi aspettavo il senso del gusto non è affatto aumentato durante questa esperienza; al contrario, mi è sembrato di avere un gusto molto atrofico, e quasi di non essere in grado di sentire nemmeno che alcune parti della fetta di pane che avevo tostato erano, in effetti, bruciate.

Complessivamente però l'esperienza ha avuto degli evidenti caratteri "sensuali" – si sente l'aria, si sente molto di più tutto – con una discreta "erotizzazione" (diciamo così) del mio stato mentale dopo l'ora passata bendato.

In modo esplicito nessuno di voi mi è venuto in mente. Ho "visto" solo Luigi, due o tre volte, con degli occhiali a volte opachi, sempre accompagnato da una ragazza...

Giancarlo Norese, Novi Ligure

6 agosto 2007

un'ora bendati (tentativo di trasmissione del pensiero)

Paura (prima parola).

Fischiano tantissimo le orecchie.

Io + Luigi = un uomo morto.

Africa.

(Pausa, causa panico. Mi tolgo la benda e la rimetto)

Emilio: Mi sentite?

Giancarlo: OK.

Luigi: Nonostante il fischio... Potete capirmi meglio, ora.

Cesare: Debbo dire che è una condizione non male, per certi versi…

L.: Aspetta a dirlo, vedrai.

G.: Io mi sto cagando sotto…

E.: Devo dire che ha qualcosa di grottesco, questa condizione. Ma ditemi, voi che fate? Siete in piedi o seduti?

L.: Io a letto.

C.: In piedi, sto cercando di bere.

G.: Seduto, sto scrivendo di voi, a ciò che pensate.

E.: Anch'io sono in piedi.

C.: La cosa lampante è che i suoni assumono tutta un'altra dimensione, oserei dire inquietante.

E.: Sentite, posso chiedervi quale film avete visto ultimamente?

L.: Io nessuno…

C.: Io ho visto uno strano film di Antonioni fatto con un cinese e un altro tizio, "Eros".

G.: Io un magnifico film di Aldo Lado (che sembra uno che usa sempre le stesse lettere), degli anni 70; in francese si intitola "Je suis vivant", è la storia di uno in catalessi che cerca di ricordare il proprio passato ma che alla fine subisce un'autopsia, pur essendo ancora vivo.

E.: (incomprensibile)

L.: Direi che ha un po' a che fare con la nostra situazione: cercare di parlare senza avere la facoltà del linguaggio, isn't it?

C.: Come un trapezista senza trapezio.

Steve: Ehi, ci sono anch'io!

Maddalena: E pure io…

G.: Stavo giusto pensando alla tua voce che ci legge le storie del Cafausu…

S.: That's why you've heard something in English.

(Mi addormento. Alle 16 suona la sveglia)

Emilio Fantin, Bologna

Immagine centrale: siamo tutti riuniti vicino a un albero secco, vedo chiaramente tutti, una grande albero secco. Luigi ha i suoi occhiali da sole e sento la sua voce dire: non abbiamo trovato questa figura. Tutto intorno il deserto.

Inizio con questa immagine perché è l'unico momento in cui mi rendo conto di avere una visione non voluta, assolutamente imprevista (non sto sognando, sono perfettamente conscio); accade pressappoco a metà e dura pochissimo. Il resto del tempo mi sforzo di entrare nella testa di Luigi per assorbirne il dolore, l'inquietudine, la preoccupazione. Mi domando che cosa sia questo "gioco" rispetto alla sofferenza vera.

Inadeguato e insufficiente, così mi sento, ma porto il pensiero agli altri: Cesare, Giancarlo Steve e Luigi naturalmente. Il fatto di sapere che altri sono bendati come lo sono io mi consola e mi sembra di percepire una forza vera, composita, che spinge verso Luigi. Si agitano davanti a me forme nere su nero, fluttuanti. Poi mi acquieto e passo un periodo di transizione apparentemente senza trovare connessione alcuna. Ora ho un ago di una siringa che mi trafigge l'occhio, per sottrarmi a questa sensazione dondolo la testa a destra e a sinistra ma non passa così velocemente.

Usciti da questa situazione inquietante segue un nuovo un periodo di calma indifferente. Poi mi viene un colpo di sonno che combatto ributtandomi dentro la testa di Luigi e ascoltando l'emicrania (la sua). Mi rendo conto che a volte associo le persone a delle immagini che già conosco, come per esempio cesare che nell'appartamento di Manhattan siede semisdraiato vicino alla finestra. Si deve fare attenzione a separare le immagini della memoria (già vissute) con quelle che appaiono del tutto nuove.

Sono di due tipi diversi. Le prime sono legate alla conoscenza e ai rapporti avuti in precedenza con i partecipanti. È per questo che sento steve più lontano di gianca e cesare, forse perché non ho molte immagini da associargli. Durante tutto il tempo, a più riprese e a fasi alternate, ascolto la forza della condivisione tra noi cinque ma è allo stato istintivo e non riesco a selezionare le varie forze individuali. A un certo punto, credo verso la fine, sento la voce di qualcuno di noi (una voce metallica), non ricordo cosa dice, ma l'immagine che riflette è un rettangolo (uno schermo?) buio, nero.

Passa qualche istante e la voce di cinzia mi avverte che sono le quattro e dieci: sono sorpreso, pensavo di dovere restare al buio più a lungo, è già passata un'ora.  Sento il bisogno di comunicare subito quello che in me è ancora fresco e vivo. Ho la sensazione di avere ancora molte cose da dire ma non sono in superficie, mi manca l'altra parte di "noi", cioè voi, per acciuffarle.

Barbarisms

In spite of the dictionary definition of Barbarism, "lack of culture and civilization", I like to think of this term as a neologism that arises in pursuit of a certain "bar" aesthetic, namely of those places that, by nature, are offered as spaces of everyday survival, socializing, connections, even reflection and study (in the cafes of Central Europe). Precisely the opposite of a lack of civilization and culture. At times I have decided to do a performance, at exhibitions where I’d been invited to participate, of my Bar Bello, an economical, portable bar that functions as a catalyst for contacts, a space of relaxing communication.

In this case I have decided to show a collection of images of bars somewhat cut off from time. Some are too big, others a big chaotic, undisciplined, certainly anti-functional, in which objects or persons seem to magnetically arrange themselves, according to mysterious designs. Barbarisms, we might call them.

at Club21, London

Souvenir d’Italie. A nonprofit art story

Viafarini DOCVA è lieta di annunciare che dal 14 al 16 maggio partecipa alla seconda edizione del festival degli spazi indipendenti No Soul For Sale – a festival of independents, che dopo il successo registrato a New York l’anno scorso, si trasferisce a Londra, nei monumentali spazi della Turbine Hall della Tate Modern.

In questa occasione Viafarini presenta in anteprima Souvenir d’Italie. A nonprofit art story, una pubblicazione edita da Mousse Publishing, che vuole raccontare la storia e i protagonisti del mondo dell’arte contemporanea in Italia dal 1991 ad oggi, letti attraverso le lenti della storica realtà nonprofit italiana. Una raccolta di testimonianze, documenti, immagini e testi inediti che si articola in 17 capitoli.

Sabato 15 maggio, alle ore 16.30, all’intero dell’area predisposta sul piano rialzato della Turbine Hall, ci sarà la presentazione del libro, unitamente a una bizzarra lotteria di un’altra tipologia di Souvenir d’Italie.

No Soul For Sale, concepito da Maurizio Cattelan, Cecilia Alemani e Massimiliano Gioni, rientra nel programma che celebra il decimo anniversario della Tate Modern e ha luogo nell’immensa Turbine Hall, a metà tra una galleria e una strada coperta.
Per celebrare lo spirito iconico di questo luogo sono stati invitati 70 tra collettivi e spazi indipendenti, da Shanghai a Praga, a realizzare progetti specifici per questo festival globale dell’arte.
No soul For Sale riempirà la Turbine Hall per tre giorni, con un eclettico mix di eventi artistici sperimentali, performance, musica e film. La galleria sarà aperta fino a mezzanotte di venerdì 14 e sabato 15 per eventi notturni con ospiti speciali.
Oltre a Viafarini hanno confermato la loro presenza tra gli altri: ArtHub (Shanghai), Artists Space (New York), e-flux (Berlin), PiST (Istanbul), Latitudes (Barcelona), no.w.here (London), Loop (Seoul), The Royal Standard (Liverpool), Tranzit (Prague), White Columns (New York) e Y3K (Melbourne).

/

Souvenir dʼItalie. A nonprofit art story
A cura di Patrizia Brusarosco e Milovan Farronato
Edito da Mousse Publishing
392 pp., colori

Testi di Cecilia Alemani, Michela Arfiero, Stefano Baia Curioni, Chiara Bertola, Elena Bordignon, Giulia Brivio, Patrizia Brusarosco, Barbara Casavecchia, Luca Cerizza, Gail Cochrane, Giulio Ciavoliello, Anna Daneri, Roberto Daolio, Vincenzo De Bellis, Emanuela De Cecco, Giacinto Di Pietrantonio, Milovan Farronato, Davide Ferri, Beppe Finessi, Alessandra Galasso, Alesandra Galletta, Francesco Garutti, Mario Gorni, Elio Grazioli, Antonio Grulli, Andrea Lissoni, Simone Menegoi, Guido Molinari, Paola Nicolin, Hans Ulrich Obrist, Lisa Parola, Francesca Pasini, Cloe Piccoli, Alessandra Pioselli, Alessandro Rabottini, Gianni Romano, Pierluigi Sacco, Gabi Scardi, Marco Tagliafierro, Monica Thurner, Giulio Verago, Giorgio Verzotti, Angela Vettese, Andrea Viliani, Claudia Zanfi.
Progetti speciali di Linda Fregni Nagler, Alberto Garutti, Armin Linke, Eva Marisaldi, Adrian Paci, Alessandro Pessoli, Cesare Pietroiusti, Vedova Mazzei.
Testimonianze di Alessio Antoniolli, Jonathan Baldock, Shane Campbell, Nicoletta Fiorucci, Susanna Gemmo, Benjamin Greber, Kim Jones, Francesca Kaufmann, Sefer Memisoglu, Nirith Nelson, Els van Odijk, Dragana Sapanjos, Julia Staszak, Alberto Tadiello, Scott Treleaven, Ulrich Vogl.
Referenze fotografiche di Davide Bonasia, Santi Caleca, Alberto Callari, Paola Di Bello, Mario Gorni, Salvatore Licitra, Armin Linke, Rossana Lo Russo, Deborah Manca, Antonio Maniscalco, Roberto Marossi, Andrea Martiradonna, Agostino Osio, Giovanni Ricci, Isabella Rosa, Zeno Zotti.
Coordinamento editoriale Giulia Brivio, Monica Turner. Giulio Verago.

A quasi venti anni dalla nascita di Viafarini, a coronamento di un periodo che ha portato alla nascita del DOCVA in collaborazione con Careof, vogliamo raccontare la storia e i protagonisti del mondo dellʼarte contemporanea in Italia dal 1991 ad oggi tramite lʼesperienza seminale di una delle prime realtà nonprofit italiane, in una pubblicazione che raccoglie testimonianze, documenti, immagini e testi inediti. Il volume si articola in 17 capitoli, che descrivono le attività fondamentali di unʼorganizzazione nonprofit:

1_”From the Armin Linke Archive”
Il capitolo è costituito da immagini di mostre, allestimenti, personaggi che hanno animato gli anni ʼ90 attraverso una selezione di fotografie dallʼarchivio di Armin Linke.

2_ “The Beginnings”
Contiene immagini fotografiche e testi che documentano lo start-up di Viafarini: le mostre inaugurali e i primi progetti di membership che hanno coinvolto la maggior parte degli artisti attivi in Italia di quel periodo; le prime collaborazioni con critici e curatori e una selezione della rassegna stampa su riviste nazionali e internazionali che riporta il contesto in cui Viafarini ha preso avvio.

3_ “First Show”
Racconta cronologicamente la storia dellʼattività espositiva di Viafarini dal 1991 al 2010, utilizzando la grafica degli inviti e le immagini di alcune mostre.

4_ “Viafarini Live”
Un capitolo dedicato alle performance realizzate nel corso del tempo attraverso immagini fotografiche dʼarchivio.

5_“Story of the Archive”
Dalla collaborazione con lʼunico altro spazio indipendente di allora, Careof, alla nascita dellʼarchivio DOCVA, coinvolgendo coloro che si sono occupati della Visione Portfolio dalla fondazione dellʼArchivio ad ora. Testi di: Mario Gorni, Gabi Scardi, Alessandra Galasso, Alessandra Galletta, Milovan Farronato.

6_ “Souvenir dʼItalie”
Il capitolo raccoglie sotto forma di progetti speciali i pensieri e i ricordi in relazione alla loro esperienza con Viafarini di Alberto Garutti, Cesare Pietroiusti, Giancarlo Norese, Adrian Paci, Eva Marisaldi, Alessandro Pessoli e Vedovamazzei.

7_“From Milano on the move to VIR”
Descrive le azioni intraprese negli anni per promuovere la mobilità per gli artisti italiani allʼestero. Dalla creazione di Artbox, banca dati su borse di studio, premi, workshop e servizi per l'arte, alla mostra Interplace Access sugli spazi nonprofit in Italia e allʼestero a cura di Tatiana Trouvé e Marion Baruch, fino al progetto Milano on the move con le studio visit di direttori di residenze internazionali e alla nascita di VIR Viafarini-in-residence. Il capitolo contiene un testo di Gabi Scardi sulla mobilità degli artisti italiani.

8_ “Outside project”
Una panoramica sullʼattività extra moenia di Viafarini

9_”From Lazzaro Palazzi to Via Fiuggi…”
Unʼindagine su quanto accaduto a Milano e in Italia in generale nellʼambito degli spazi autogestiti da artisti, spazi alternativi, spazi indipendenti dalla fine degli anni ʻ80 ad oggi. A cominciare dallo spazio di via Lazzaro Palazzi e dalla Brown Boveri, passando per Via Fiuggi, fino allʼattualità più stringente. Documenti, fotografie e testi inediti di Francesco Garutti. Luca Cerizza, Paola Nicolin, Stefano Bai Curioni, Angela Vettese, Pier Luigi Sacco.

10_ “Unknown Matters”
Dagli esordi come ufficio stampa di Maurizio Cattelan, agli “imprevedibili” stagisti come Paola Guadagnino e Vanessa Beecroft; a oggetti, immagini e progetti mai pubblicati rinvenuti nei portfolio in Archivio di alcuni artisti, alle attività nellʼambito del design e della moda...

11_ “From Critical Quest to Curatology”
In questa sezione i contributi teorici in ambito critico/curatoriale, a partire dal progetto Critical Quest (1993) a cura di Alessandra Galletta e Marco Senaldi, fino a Curatology (2009) a cura di Milovan Farronato. Materiali dʼarchivio si alternano a testi inediti.

12_ “Anatomy”
Seguendo unʼinedita prospettiva si racconta nuovamente, attraverso “svelamenti”, la storia dellʼArchivio e dei suoi materiali.

13_ “Education”
Una delle attività fondamentali di unʼorganizzazione nonprofit: formazione, didattica, rapporti con Accademie e Università, seminari, conferenze, workshop…

14_ “Italian Area”
Contributi critici per definire il paesaggio creativo italiano degli ultimi venti anni. Sono stati coinvolti una serie di critici italiani, in virtù di una collaborazione pregressa con Viafarini, a individuare e commentare unʼopera contenuta nel sito www.italianarea.it. Hanno contribuito: Cecilia Alemani, Chiara Bertola, Barbara Casavecchia, Luca Cerizza, Giulio Ciavoliello, Anna Daneri, Roberto Daolio, Emanuela De Cecco, Giacinto Di Pietrantonio, Milovan Farronato, Beppe Finessi, Elio Grazioli, Andrea Lissoni, Guido Molinari, Lisa Parola, Francesca Pasini, Cloe Piccoli, Alessandra Pioselli, Alessandro Rabottini, Gianni Romano, Gabi Scardi, Marco Tagliafierro, Giorgio Verzotti, Andrea Viliani, Claudia Zanfi.
Conclude il capitolo un testo di Hans Ulrich Obrist.

15_ “Portraits by Linda Fregni Nagler”
Ritratti da Prove per un Annuario di Linda Fregni Nagler.

16_ “London”
Un focus sugli artisti inglesi che hanno esposto in Viafarini agli esordi delle loro carriere: Mat Collishaw, Angus Fairhust, Abigail Lane, Mona Hatoum, Martin Creed, Gillian Wearing, Tania Kovatz, Runa Islam.

17_ “Thanks to”
In questo capitolo Viafarini ringrazia tutti coloro che hanno contribuito alla nascita e allo sviluppo delle attività, dei progetti e delle visioni.

Public Art a Trieste e dintorni: il catalogo

Stiamo organizzando alcune presentazioni del catalogo di Public Art a Trieste e dintorni, appena pubblicato da Silvana Editoriale.
La prima sarà a Trieste, alla Stazione Rogers, venerdì 30 gennaio 2009, ore 18.30.
La seconda a Milano, a careof, mercoledì 18 marzo 2009, ore 18.

Public Art a Trieste e dintorni è il documento di un’articolata operazione svoltasi nel capoluogo giuliano tra il 2007 e il 2008. Risponde alla volontà di informare su un argomento mobile e sfuggente: l’arte che cresce fuori dai suoi spazi deputati, dal mitico quanto irreale white cube della galleria, dal sistema mercantile esaltato dalle fiere. È l’arte che va incontro alla gente negli spazi pubblici – dove il termine “pubblico” conosce svariate declinazioni – che s’identifica nella quotidianità e nelle problematiche che la vita di ogni giorno comporta. È l’arte che pone alla base la relazione del sé con l’altro e partecipa a un miglioramento sostenibile dell’habitat e della qualità della vita, ponendosi quale piattaforma e legante di ogni attività umana.
“Public Art a Trieste e dintorni” compie questa esplorazione con “Manifesti d’artista”, vetrina d’arte aperta sulla strada, con una mostra documentativa internazionale disposta in tre sedi, con eventi di arte relazionale nel territorio urbano e suburbano, con lo svolgimento di vari workshop e con un convegno internazionale, di cui questo volume offre ampia documentazione.

a cura di Maria Campitelli e Elisa Vladilo
edito da Silvana Editoriale, 2008
formato 23x28 cm, 238 pagg.
100 ill. a colori, ril. brossura con alette
ed. bilingue italiano/inglese
ISBN/EAN: 9788836613106

Progetto Oreste (1997-2001) as a Public Figure

Forgotten Sculptors: 3. Modigliani’s Heads

Try to imagine the rediscovery of several previously unknown pieces by Modigliani during an exhibition of his works, along with the din of attributions, statements, expert opinions, proclamations and critical hairsplitting that cannot help but follow in its wake. Now try to imagine four high-school students in a garden, armed with hammer and chisel, working on a stone and savoring, in advance, the surprised expression of those who will find it. At least for a few minutes, because the experts will undoubtedly realize soon enough that the statue is a fake. Now try to imagine the faces of the students when they find out that the statue has fooled everybody. At this point, it is up to them to admit to their practical joke.
Twenty-three years have passed since the perpetration of one of the greatest hoaxes in the history of Italian art. Four kids from Leghorn did their part, as citizens, to make a contribution to the loopy adventure of the salvaging of the lost sculptures of Modigliani. Rumor had it that the artist, in a moment of discouraged despondency, convinced that his sculptures would never be as good as his paintings, had tossed them into the Fosso Mediceo (a canal). After having dredged up all kinds of stuff, but no sculptures, people began to make jokes about the entire operation: «Look, they just found Modigliani’s bicycle!», «There is one of Amedeo’s shoes!»…

One night Pietro Luridiana, Pierfrancesco Ferrucci, Michele Ghelarducci and Michele Genovesi, after having sculpted a stone with a Black&Decker drill, stealthily threw it into the canal. The next day, as the dredging continued, the workers did indeed find a sculpted head in the style of Modigliani. But when they saw it the boys were amazed… it wasn’t the head they had made!
Its real author was Angelo Froglia, a dockworker and artist, who later declared that his action could be seen as a work of conceptual art, unmasking the faulty mechanisms of the art world. But the joke got the better of the concept, and as the entire tale emerged the media turned all their spotlights onto the four boys.
The head made by the students was the second to be discovered. Immediately afterwards, the leading experts expressed pompous opinions regarding the artworks and the episode, confirming the authenticity of the sculptures (though we should recall that unlike all his colleagues, Federico Zeri said the sculptures were so "immature" that even if they were authentic, Modigliani had been right about throwing them away).

The four friends, heirs to Buffalmacco and Calandrino, must have had a good laugh, though at a certain point the event took on such importance that it would be hard to resolve matters just by saying: «Hey, it was just a joke». But fortune smiles on the daring, and our practical jokers – who, after all, had committed no crime – demonstrated the truth with photos taken at pertinent moments. In the end, at prime time, they made a replica of the work (with the usual tools) for the television cameras: a perfect Modigliani, in just 45 minutes.
Michele told me he started to make sculptures again, a few years ago, and I immediately understood that the spirit of Modì, together with that of Angelo Froglia, who passed away a few years ago, were still in town, spreading the virus of sculpture.

(Translated by Steve Piccolo)

Forgotten Sculptors is an art project by Emilio Fantin, Luigi Negro, Giancarlo Norese and Cesare Pietroiusti, produced by Sculpture Center (New York) in the context of PERFORMA07, the second biennial of new visual art performance.

Part of the project consisted in a series of short email stories. A performance by the four artists with the participation of Joan Jonas and Steve Piccolo was held at Sculpture Center on November 3rd, 2007. As a final step to the project, the artists invited everyone to join them in a collective performance on Sunday, November 18th.

Cafausic Table

Evolution de l’Art

The gallery Evolution de l’Art arises from a collaboration between SPACE (Juraj Carny, Diana Majdakova and Lydia Pribisova) and Cesare Pietroiusti.
Evolution de l’Art is a gallery for contemporary art which only sells artworks that are immaterial, with no physical residue, and it does not release certificates of authenticity, nor statements or receipts. EdlA will represent, on a non-exclusive basis, artists whose artwork is, at least in the case of some specific projects, alien from any physical-material component. Beyond this condition, there will not be any other limitation or requisite for represented artists in terms of medium or technique.
EdlA offers the possibility of becoming contemporary art collectors to the widest possible audience. Therefore the gallery will offer artworks at a range of very different prices, including some that can be purchased for a few Euros. Purchases can be made at the headquarters of the gallery (Lazaretska 9, Bratislava) or through the website www.evolutiondelart.org.
On the gallery website, anyone can find the updated list of artworks for sale, with their price list, as well as a list of all those that have been already sold, including the buyers’ names (unless anonymity is requested).

Participating artists (among others):
A Constructed World /AU/
aiPotu /NO/
Lara Almarcegui /NL/
Ayreen Anastas /US/
Erik Binder /SK/
Ondrej Brody - Kristofer Paetau /CZ/
Joanna Callaghan /AU-UK/
Juraj Carny /SK/
Asli Cavusoglu / TK/
Carla Cruz /PT/
Nemanja Cvijanovic /KR/
Catherine D’Ignazio – Institute fo Infinitely Small Things /US/
Roberto De Simone /IT/
Stanislao Di Giugno /IT/
Andrew Duggan /IR/
Esculenta (Andrea Caretto e Raffaella Spagna) /IT/
Emilio Fantin /IT/
Petra Feriancov /SK/
Ulrika Ferm /FI/
Stano Filko /SK/
Harrell Fletcher /US/
Michael Fliri /IT/
Viktor Fucek /SK/
Rene Gabri /US/
Liam Gillick /GB/
Ellen Harvey /US/
Nina Hoechtl /AT/
Philippine Hoegen /NL/
Christoph Hoeschele /AT/
Per Hüttner /SE/
Iain Kerr & Morgan J. Puett /CA-US/
Sharon Kivland /FR/
Eva Kotatkova / CZ /
Jiří Kovanda /CZ/
Jaroslav Kysa & Radovan Cerevka /SK/
Gareth James /GB-US/
Pedro Lasch /MX/
Otis Laubert /SK/
Pia Lindman /FI/
M+M /DE/
Antonino Musco /IT/
Angel Nevarez /US/
Giancarlo Norese /IT/
Boris Ondreicka /SK/
Adam Page & Eva Hertzsch /DE/
Eugenio Percossi /IT/
Jorge Peris /ES/
Jenny Perlin /US/
Alessandro Piangiamore /IT/
Cesare Pietroiusti /IT/
Giuseppe Pietroniro /IT/
Mira Podmanicka /SK/
Lýdia Pribišová /SK/
Ben Readman /UK/
Ruth Sacks & Robert Sloon /ZA/
Dorota Sadovska /SK/
Scanner /UK/
Michael Schumacher /US/
Rudolf Sikora /SK/
Shelly Silver /US/
Wolfgang Staehle /DE-US/
Janos Sugar /HU/
Barry Sykes /UK/
Valerie Tevere /US/
Jan Triaska /SK/
Enzo Umbaca /IT/
Nikola Uzunovski /MK/
Marcella Vanzo /IT/
Roman Vasseur /UK/
Kamiel Verschuren / NL /
Cesare Viel /IT/
Dusan Zahoransky /SK/
Danielle van Zuijlen /NL/
Mary Zygouri /GR/

La Ville, le Jardin, la Mémoire (1998-2000), Roma

Hans Ulrich Obrist and Stefano Boeri (photo g.n.)

La Ville, le Jardin, la Mémoire 1998-2000
Le Jardin 2000

About thirty international artists and the artists in residence of Villa Medici and the theme of gardens in our cities.
June 22 – September 24, 2000

In the summers of 1998 and 1999, Villa Medici welcomed the first and second editions of a triennial cycle of exhibitions dedicated to contemporary art La Ville, le Jardin, la Mémoire. Bruno Racine, the Director of the French Academy in Rome, invited three curators: Laurence Bossé, Carolyn Christov-Bakargiev and Hans Ulrich Obrist. The cycle concludes itself in the summer 2000 with the last edition dedicated specifically to the garden theme.

In 1998 and 1999, Villa Medici opened its doors to the Roman public, allowing them the opportunity to discover the interior of the Villa as well as a large part of the gardens. In the first year, about thirty contemporary artists and architects explored the relationship between the city and nature in an urban context ; while in the second year another group focused on memory and its power to create unprecedented itineraries over time and history.

The third edition, dedicated to the garden, opened June 21, 2000.


The highlights of the exhibition

About thirty international artists explored, together with the artists in residence at the Villa Medici, the future of the gardens in our cities.

At the heart of this "walk" a pavilion in the garden recalled the architecture of Folie. According to the English city planner Cedric Price, insanity permits a distortion of time and space, mingling magic with mystery, games with imagination, the present with the future. The pavilion was a physical realisation of a data bank or archive on contemporary artists' gardens from all over the world. This archive also contained documentation of garden projects, created by artists in the past, as well as future projects.
Collaboration for La Folie: Mark André/Pierre Reimer, Gianfranco Baruchello, Stefano Boeri, Lucius Burckhardt, Anthony Dunne & Fiona Raby, Yung Ho Chang, Barbara Nemitz, Olaf Nicolaï, Giancarlo Norese, Cedric Price, Philippe Rahm, Natascha Sadr-Haghighian, Stalker/A12, Ceryth Wyn Evans.

G.N., Non so nulla della Villa
(detail, see link)

Designers Anthony Dunne and Fiona Raby experimented their "mutant" garden decoration in the structure of the pavilion, with objects conceived on the notion of a dynamic design.

Beginning from this intermediary zone, which was the starting point of the internet site and of the published exhibition catalogue, a series of itineraries through the gardens of Villa Medici was presented. The internet site presented itself as a virtual garden, a project with the theme of the global garden and its relationship to specialised gardens. The site's elaboration was the product of the collaboration of the group of city planners: A12 and Stalker, the artist Giancarlo Norese and Udo Noll.

The famous landscape architect Gilles Clément, curator of the great exhibition "Le Jardin Planetaire" at the Villette, gave his vision of the garden as a complex resource which can not be isolated from its environment nor from its context, the city of Rome. He created, in collaboration with Nicolas Gilsoul, architect pensionnaire of the Villa Medici, a project as reflection on landscape: not an ephemeral event, but a preparation of a specific direction of the gardens of the Villa Medici.
For reasons concerning the setting of the place, Nicolas Gilsoul collaborated with Stalker and A12 for the realisation of the Folie at the interior of the zone called the "Bosco".

Natascha Sadr-Haghighian created a sound landscape for the Folie.

LA VILLE, LE JARDIN, LA MÉMOIRE

Art: Georges Adéagbo, Giovanni Anselmo, Massimo Bartolini, Gianfranco Baruchello, Laurent P. Berger, Hervé Brunon, Lucius Burckhardt, Daniel Buren, Janet Cardiff, Maurizio Cattelan, Anthony Dunne & Fiona Raby, Maria Eichhorn, Teresita Fernàndez, Thierry Fontaine, Jakob Gautel, Dan Graham, Bruno Graziani, Cai Guo Qiang, Fabrice Hybert, Koo Jeong-a, Bertrand Lavier, Eric Madeleine, Stéphane Marcault, Marisa Merz, Barbara Nemitz, Olaf Nicolaï, Udo Noll, Giancarlo Norese, Alfredo Pirri, Luigi Ontani, Pierre Reimer, Natascha Sadr-Haghighian, Yutaka Sone, Ceryth Wyn Evans

Architecture: A12, Stefano Boeri, Gilles Clément, Nicolas Gilsoul, Zaha Hadid, Yung Ho Chang, Cedric Price, Philippe Rahm, Stalker

Philosophy: Enzo Cucchi

Graphics: M/M

Photographic Service: Claudio Abate, Marco Fedele di Catrano

Music: Mark André, Alexandros Markeas

Dance: Min Tanaka

Literature: Claire Legendre

Atelier del Bosco: Franz West, artistic direction of Zerynthia Association for Contemporary Art.

Lucius Burckhardt's napkin

A trilingual catalogue was published with Paris-Musées, with graphics by M/M, thanks to the support of the Groupe BNP Paribas, as well as the AFAA-Association Française pour l'Action Artistique-, and the Ville de Paris; with the participation of, in addition to the artists and curators present in this exhibition, Geoffrey Bawa, Laura Cherubini, Jimmie Durham, Massimiliano Gioni, Hou Hanru, Toshi Ichiyanagi, Bruno Latour, Max Neuhaus, Guy Tortosa, Massimo Venturi Ferriolo.